Lo que el viento se llevó

Lo que el viento se llevó y la advertencia que reabre el caso​

Una de las películas más taquilleras de la historia del cine arranca hoy con un cartel que avisa al espectador de que va a ver un producto de su tiempo, con prejuicios raciales que eran comunes en la sociedad estadounidense y que, se añade, eran equivocados entonces y lo son ahora. El aviso, calcado del que abre cualquier producción de Disney, ha reabierto el interrogante de si la obra debe ser prohibida, mutilada o simplemente contextualizada. La discusión, sin embargo, va mucho más allá del cartel: toca la escena del Ku Klux Klan, la violación de Scarlett por Rhett Butler y la propia naturaleza de un personaje que no es una heroína, sino una antiheroína con todas las letras.

La escena del KKK y el Sur que no fue pacífico​

El análisis del guion señala que hubo cambios y supresiones para no entrar en conflicto con la comunidad negra y para suavizar la esclavitud que la novela romantiza. Hubo una escena que no se pudo evitar: la acción de Ashley Wilkes y Frank Kennedy contra quienes intentaron violar a Scarlett, que se salda con dos muertos, uno de ellos el marido de Scarlett. Sobre esa secuencia ha caído de todo, porque es evidente que es una acción del Ku Klux Klan. El problema, se argumenta, es no contextualizar: el Sur vencido en la guerra de Secesión y la emancipación de los esclavos no fueron realidades pacíficas.

Se sostiene que parte del análisis dominante reduce todo a una lucha de clases y deja fuera conflictos raciales incómodos, desconociendo que la liberación de esclavos dio lugar históricamente a guerras raciales. Se citan los casos de Haití y de Cuba, que siguió siendo española porque había miedo a la guerra de razas. Las primeras reacciones en un Sur vencido fueron defensivas, según esta lectura, y solo después de una tensa convivencia llegarían a ser lo que se vio en el siglo XX.

La violación de Scarlett y el debate sobre el consentimiento​

La segunda escena que provoca oleadas de indignación es la de la violación de Scarlett por un Rhett Butler borracho y celoso. La novela describe que el hombre que la llevó por las escaleras oscuras era un extraño cuya existencia no había soñado, y que aunque intentó odiarlo no pudo: la había humillado, lastimado y usado brutalmente durante una noche loca y salvaje, y ella se había gloriado de ello. Más fuerte que la vergüenza era el recuerdo del éxtasis, del éxtasis de la rendición.

La película muestra a una Scarlett tan feliz y satisfecha como no se la ha visto en toda la cinta, lo que deja mal a todos sus amantes, incluido Butler. Las críticas más duras sostienen que hacer que Scarlett se enamore de Rhett después de esto es un insulto a las mujeres y da luz verde al abuso. Otras voces ironizan sobre la escena de la mañana siguiente y sugieren que la única razón de su sonrisa sería una lesión física. La novela y la película dicen lo que dicen, y el desacuerdo es sobre cómo leerlo.

¿Es Scarlett O'Hara el mejor papel femenino de la historia del cine?​

La interpretación de Vivien Leigh se sitúa por encima de cualquier escala, según varias voces: se come la pantalla durante las cuatro horas, no tiene una mala escena, no sobreactúa nunca y borda a un personaje que es una niñata caprichosa del Sur enamorada del marido de su prima. Hay quien la considera el mejor papel femenino de la historia del cine, por delante incluso de Olivia de Havilland, que palidece a su lado.

El personaje es complejo porque no es una idealización: es frívola, caprichosa, mentirosa, infantil, manipuladora, fría, hipócrita, materialista, capaz de casarse con un hombre por dinero y con otro por despecho, y de enrollarse con un tercero en el funeral de su marido. En varias ocasiones roza la psicopatía. Esa transparencia femenina, se dice, es casi un milagro de Margaret Mitchell, que da la vuelta a las fantasías que los hombres habían construido sobre las mujeres.

La novela frente a la película: lo que Hollywood convirtió en melodrama​

La historia se ha reducido a un melodrama romántico, y en gran parte la película es responsable de ello, con todo lo buena que es. Ha sucedido con muchas obras a las que Hollywood dio la vuelta para convertirlas en dramones rosas, vaciándolas de brillo intelectual. La novela, sin embargo, tiene capas que la adaptación no recoge: el tema central es el paso de Scarlett de niña a mujer, y la palabra que la autora usaba para definirlo era «gumption», agallas.

En el libro, Scarlett reconoce que le puso un traje a Ashley: no ama al hombre real, sino a una concepción idealizada que proyecta en él. Cuando por fin acepta ver al Ashley real, se da cuenta de que no le ama y pasa a proyectar su ideal en Rhett Butler, que sale corriendo porque ya la conoce y sabe que es incapaz de amar a otro porque solo se ama a sí misma. La madre de Scarlett es definida en la novela como una concha vacía tras un disgusto amoroso, y hay personajes y episodios que la película despacha en dos planos.

El contexto histórico que la novela esconde​

La novela retrata a los esclavos domésticos que se quedan con sus antiguos dueños y a los negros libres sin vínculos que se van a poblados chaboleros, cobran por votar a los republicanos y tienen impunidad para robar y asesinar, según esta lectura, lo que explica la creación del KKK como forma de instigar un poco de temor ante la pasividad de las autoridades. Scarlett acaba contratando presos para sus serrerías porque los negros en cuanto cobran desaparecen para beberse el sueldo. Son afirmaciones que circulan en el análisis y que conviene leer con distancia.

Hay quien señala que la piedra de toque del libro es un tabú contemporáneo: la sumisión voluntaria. Hubo esclavos que no querían abandonar el régimen de tenencia con sus amos porque no sabían qué les esperaba fuera, y las leyes contra vagos y maleantes acabaron esclavizando a muchos de ellos bajo la etiqueta de penitenciados, construyendo el ferrocarril hacia el Oeste. Es un episodio incómodo para el mito de la tierra de los libres.

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La película, prohibida o mutilada, seguirá siendo para muchos la alegría de vivir y ver los ojos y la sonrisa de Vivien Leigh en la cima de su belleza. La pregunta es si una advertencia de treinta segundos basta para contextualizar cuatro horas de historia, o si el espectador merece algo más que un cartel antes de sentarse a verla.